Ce n'est pas seulement la longueur de sa carrière qui explique le respect que suscite Clint Eastwood, resté en première ligne en tant qu'acteur et réalisateur pendant de longues années. Depuis ses débuts, il a non seulement continué d'apparaître à l'écran, mais il a également réalisé de nombreuses de ses propres œuvres, et c’est la constance de sa quête d’expression personnelle qui fait de lui une figure singulière.
La joie des acteurs, le silence d’Eastwood
Dans Mystic River, Sean Penn a remporté l'Oscar du meilleur acteur et Tim Robbins celui du meilleur second rôle masculin lors de la 76ᵉ cérémonie des Academy Awards.
Le fait que deux des trois personnages principaux aient été récompensés fait que l'on a facilement les yeux rivés sur leurs performances. Certes, la prestation du trio principal est remarquable, mais ce que je veux tenter ici, c'est une réflexion sur la manière dont ce film intègre avec excellence la structure narrative et l'expression cinématographique. Plus précisément, il s'agit de démêler, nœud après nœud, la façon dont Eastwood a interprété le roman original et comment les acteurs ont répondu par leur jeu à la direction du réalisateur.
Pour cette analyse, en plus du film principal, j'ai également pris comme référence le commentaire audio du DVD avec Tim Robbins et Kevin Bacon. Dans les commentaires audio, il est courant que les acteurs et l'équipe parlent des difficultés de tournage comme de souvenirs, mais dans le commentaire audio de ce film, ce n'est pas le cas.
Tim Robbins et Kevin Bacon sont des acteurs, et aussi des réalisateurs, et ils s’expriment depuis ces deux perspectives. Dans leur conversation, on peut sentir non seulement leur respect pour Eastwood et la joie d'avoir pu jouer dans son œuvre, mais aussi la plénitude d'avoir pu vivre sa mise en scène par eux-mêmes. Leurs échanges ne se contentent pas d’approfondir la compréhension du film, mais on peut aussi dire que c'est un commentaire audio extrêmement utile pour comprendre de manière tridimensionnelle la relation entre l'interprétation et la direction.
L’attachement à Boston
Eastwood, qui s'est entièrement consacré à la réalisation, a fermement insisté pour tourner à Boston, lieu de naissance et de jeunesse de l'auteur Dennis Lehane et cadre du roman. En réalité, le tournage était initialement prévu à Vancouver pour réduire les coûts. Cependant, Eastwood a fortement affirmé ne pas vouloir altérer l'atmosphère du roman. Son refus de tout compromis est devenu le gène de l'histoire qui allait naître.
À l’écran, les ruelles sous le ciel gris de Boston apparaissent, et trois garçons commencent à jouer au hockey. C’est dans cette ruelle que l’enlèvement, le point de départ de l’intrigue, a lieu. L’atmosphère glaciale de cette rue déserte renforce le réalisme de l’événement, à tel point que l’on pourrait croire que l’enlèvement s’est réellement produit. À ce sujet, Lehane a révélé lors d’une conférence à l’Université de Harvard que cet enlèvement est une création inspirée de ses expériences d’enfance. Voici l'extrait.
Lehane implied that his character Dave’s abduction was an alternate scenario of what he and his foe might have experienced had their failure to confront the officers about their identities proved more serious.※
Lehane a laissé entendre que l’enlèvement de son personnage Dave constituait un scénario alternatif de ce que lui et son antagoniste auraient pu vivre si leur incapacité à confronter les policiers au sujet de leur identité avait eu des conséquences plus graves.
Un autre témoignage s’ajoute. Sur la chaîne YouTube « About the Authors TV », il raconte l’expérience vécue qui a inspiré l’enlèvement. Lors de sa conférence à Harvard, il avait déjà évoqué les réactions des personnes autour de lui, mais dans cette vidéo, Lehane restitue lui-même avec émotion les paroles des policiers et de sa mère. Il est fortement conseillé de régler les sous-titres dans la langue souhaitée lors du visionnage.
Cette déclaration de l’auteur révèle que le film Mystic River n’est pas basé sur des faits réels.
De plus, si l’histoire ne concernait que l’enlèvement et le parcours ultérieur des hommes, le lieu n’aurait peut-être pas été un élément si déterminant. Le tournage à Vancouver aurait pu convenir.
Pourtant, Eastwood a tenu à filmer à Boston. On peut supposer que, d’une manière ou d’une autre, il ne voulait pas atténuer le réalisme — la possibilité que l’événement ait réellement pu se produire — pour des raisons de production. Cette exigence reflète non seulement sa fidélité à la réalité qui sous-tend l’histoire, mais aussi son propre sens de l’éthique.
De l’expérience réelle à l’histoire
La différence cruciale entre la réalité et le film se manifeste dans la scène qui suit. Dans la réalité, le jeune Lehane confiait à sa mère ce qui s’était passé dans la ruelle, tandis que dans le film, Sean et Jimmy se tournent vers deux hommes discutant sur la terrasse à l’étage pour demander de l’aide.
En fait, l’histoire commence réellement à ce moment-là, mais le fait que les personnes sollicitées soient remplacées par des hommes plutôt que par une femme renverse fondamentalement la structure narrative. Les hommes qui écoutent sont par la suite superposés aux figures de Jimmy et Dave, chacun ressentant des émotions conflictuelles et implorant la sympathie et l’accord envers le rêve du « si… » relatif à cet incident. C’est ce processus qui définit le film Mystic River.
Cependant, à mesure que les femmes s'affirment peu à peu, occupant les espaces laissés par les hommes prisonniers de leur passé, l'histoire bascule dans une direction inattendue, menant à une fin imprévisible.
Cette transition intense des émotions, des hommes vers les femmes, est rendue de manière lyrique grâce aux dialogues et au montage. Ce basculement repose sur l'acte d'un personnage qui, par faiblesse personnelle, trahit le lien central du film.
Montrer l’ombre dans l’ombre
Soucieux de donner un sentiment de véracité au roman, le réalisateur Eastwood a limité au maximum l’usage de l’éclairage artificiel.
Dans la plupart des tournages, on éclaire le visage pour rendre les expressions claires, mais le réalisateur a refusé cette approche. Ainsi, dans les scènes où les personnages marchent à l’ombre des auvents, leur visage apparaît sombre et flou. Il arrive même que le visage de Dave ne soit pas net à l’image. Ce visage pâle et vidé de toute vitalité exprime, au-delà de ce que la seule lumière naturelle peut révéler, l’esprit oppressé d’un homme incapable de se libérer de son passé.
De plus, la maison de Dave baigne dans une lumière tamisée, dégageant une atmosphère lugubre. Bien qu’il y vive avec sa femme et son enfant, dans un quotidien tout à fait ordinaire, son état psychologique semble imprégner l’ensemble du foyer. La photographie de Tom Stern, allié fidèle, unifiée par des tons gris sombres, contribue à donner au film l’illusion du réel.
La création des trois protagonistes
Eastwood, après avoir lu le roman, a déclaré que les trois acteurs principaux lui étaient immédiatement venus à l’esprit pour les rôles : Tim Robbins, Kevin Bacon et Sean Penn. Pour incarner Jimmy, le père dont la fille a été assassinée, il ne pouvait imaginer personne d’autre que Sean Penn.
Kevin Bacon, dans le rôle de Sean Devine, l’ami d’enfance devenu policier, ne laisse transparaître aucune émotion, mais cette impassibilité suggère non seulement la nature de son métier de policier, mais également une certaine présence latente.
Quant à Dave, interprété par Tim Robbins, il est toujours prisonnier des souffrances de son enfance. Ses cheveux ébouriffés et sa peau pâle le font paraître bien plus âgé que Jimmy et Sean. Malgré sa grande taille dépassant 1,90 m, à l’écran, Tim Robbins apparaît presque comme un petit insecte. Pour se préparer à ce rôle, il ne s’est pas appuyé sur ses expériences personnelles, mais s’est concentré à imaginer les sentiments de son personnage.
Il est particulièrement intéressant de noter que les trois acteurs principaux sont tous également réalisateurs. Chacun d'eux a d'ailleurs mentionné avoir appris de précieuses leçons de la manière de diriger d'Eastwood. Dans le commentaire audio, Tim Robbins et Kevin Bacon expliquent la joie et le profond soulagement qu'ils ont ressentis de pouvoir se concentrer pleinement sur leur jeu, grâce à la confiance qu'Eastwood leur a inspirée. Les propos de ces deux vétérans témoignent d'une grande confiance envers Eastwood, à la fois en tant qu'acteur et réalisateur, et montrent à quel point son approche de la mise en scène a été stimulante pour eux.
L’art de la mise en scène d’Eastwood
Eastwood termine la plupart des prises en une ou deux fois, et rarement jusqu’à trois. Ce faible nombre de prises force les acteurs à livrer des performances fraîches et naturelles, mais même lorsque les interprètes considèrent qu’il s’agit d’un raté, Eastwood peut décider que la prise est acceptable. Voici un exemple.
Dans le hall de l'hôpital, Jimmy et Sean discutent. Un coup de colère de Jimmy fait claquer la table, renversant du café que Sean essuie avec une serviette en papier. Bien que ce soit un accident imprévu, Eastwood a laissé les acteurs continuer et a accepté la prise.
Un autre exemple : sur le balcon, Dave allume une allumette pour fumer. Surpris par l'appel de Jimmy, il se brûle légèrement. Tim Robbins a pensé que la prise était ratée, mais Eastwood l'a considérée comme bonne.
La flexibilité d’Eastwood face aux imprévus ne se limite pas aux acteurs. Dans un plan où la caméra filme le ciel, un grand nombre de pigeons était censé s’envoler, mais en réalité, il n’y avait que quelques oiseaux. Eastwood a dit : « Tant pis » et a renoncé à insister sur ce plan. Tim et Kevin ont expliqué qu’un réalisateur ordinaire aurait insisté pour que la nuée de pigeons apparaisse, et ont estimé que cette absence d’obsession fait partie du style propre à Eastwood.
Une journée de tournage durait environ huit heures. Après le tournage, les acteurs se détendaient à la salle de sport, prenaient tranquillement leurs repas en famille et disposaient de moments de repos. Puis, pour se préparer pour le tournage du lendemain, ils se réunissaient volontairement pour des lectures du scénario.
Hommes figés dans le temps
Un accident imprévu, où la balle de hockey tombe dans le caniveau au bord de la route, ne fait pas seulement cesser le jeu, mais mène aussi, indirectement, à la rencontre avec des hommes inconnus, scellant ainsi le destin du jeune Dave. Sa vie semble s’être arrêtée à cet instant, et son amitié avec ses camarades proches a pris fin.
Des décennies plus tard, Dave est marié et est devenu un père qui joue au baseball avec son enfant. Pourtant, comme si la balle était encore au fond du caniveau, les blessures émotionnelles qu’il a subies dans son enfance restent profondément ancrées.
Son fils tend désespérément la main pour récupérer la balle, mais Dave, d’une voix faible, lui murmure : « On le fera une autre fois », et s’éloigne. Ce chuchotement, dépourvu de la moindre intention de récupérer la balle, n’est autre que Dave lui-même, englouti dans l’ombre depuis ce malheureux incident. Il n’est plus que le vestige de son passé.
Dave, ayant renoncé à sa vie, ne laisse transparaître son âme qu’après avoir regardé un film de Dracula à la télévision. Sa manière d’être évoque celle d’un médium hanté par l’esprit d’un défunt mort avec des regrets ; si la rancune pouvait prendre forme, elle se manifesterait ainsi.
Il est comme mort tout en étant vivant. La sombre cave dans laquelle il est enfermé rappelle l’obscurité nocturne où rôde Dracula, et le sac de couchage qui lui est attribué évoque le cercueil dans lequel il dort.
D’ailleurs, on ne peut s’empêcher d’imaginer que le prénom Dave lui a été donné à cause de cette malchance.
Le sous-sol d’où le jeune Dave s’est échappé désespérément rappelle une grotte où la lumière ne pénètre pas. En anglais, « cave » s’écrit C-A-V-E, et dans l’alphabet, la lettre D qui commence le prénom Dave suit immédiatement le C.
De plus, Dave n’a pas pu graver son nom dans l’asphalte. Sans avoir terminé d’écrire la lettre E qui suit les C et D, il a été emporté avant d’achever son geste. Cette scène, absente du roman, préfigure la vie de Dave à travers une expression cinématographique.
Cela ressemble à un jeu de mots d’enfant, mais tout comme le romancier a créé l’histoire à partir de son expérience personnelle, tout comme l’adulte sollicité pour venir en aide a été remplacé par un homme et non par une femme, tout comme le nom de l’épouse de Jimmy, que nous évoquerons plus loin, rappelle celui d’une épouse maléfique classique, superposer les blessures psychologiques et la vie à l’ordre des lettres n’est pas une mauvaise idée.
Tout comme on peut deviner le passé et l’intériorité de Dave à travers son nom, je pense examiner la possibilité qu’une autre personne ait elle aussi dissimulé une intention dans un nom.
Dieu, Devine
Le nom de famille de l'inspecteur Sean, Devine, évoque phonétiquement le mot anglais divine (religieux, sacré), et l'on peut prolonger cette idée jusqu'à l'image de Dieu. Sean, observant la ville de Boston depuis l'autre rive de la Mystic River, apparaît exactement comme un dieu contemplant la terre depuis les cieux.
Le Sean divin n'a pas droit à une vie terrestre. Il téléphone à son épouse séparée, Lauren, mais sa voix à travers le combiné ne parvient pas à ses oreilles. Le plan sur la bouche de Lauren efface sa personnalité, et la femme est représentée uniquement comme une figure symbolique.
Sean n'a pas su construire de relation conjugale comme Dave ou Jimmy. Il montre également une ascèse en refusant les avances d'une collègue. Son comportement témoigne de sa conscience en tant que clerc.
L'inspecteur Sean collabore avec son partenaire pour résoudre l'affaire et interagit avec les deux couples. Autrement dit, Sean est l'élément moteur de l'histoire. Sans lui, la mort de la fille de Jimmy n'aurait jamais pu se relier au passé des trois anciens amis.
À l'aube, Jimmy, assis au bord de la route, lève les yeux vers Sean, qui se tient tout près. Sean prend une gorgée du whisky qu'on lui a tendu et s'assoit à côté de Jimmy. Leur posture rappelle l'enfance perdue d'amis disparus ; une fois encore, ils parlent de la disparition de Dave. Leur brève conversation remplace la poursuite réaliste présente dans le roman par un retour littéraire, et, associée aux plans cinématographiques, elle ramène le spectateur dans le passé.
Mais ce jour-là n’existe plus. Le rêve de Dave et la vérité sur la mort de sa fille bien-aimée restent hors de portée. Chacun des trois se remémore : « Et si j'avais été dans cette voiture… », mais ces pensées se croisent sans jamais se rejoindre.
Le scénario de Brian Helgeland offre à Sean, dans cette scène où tous les passés sont réglés, un bonheur plus doux que dans le roman. La sonnerie du téléphone et la voix de sa femme incarnent le lien qu’il désirait plus que tout. Ainsi, bien que ce film ait pour sujet un seul événement, il peut également être qualifié de récit de la descente sur Terre de Sean depuis le domaine divin et de sa récupération du bonheur, autrement dit une « laïcisation » d’un prêtre.
Trois types d’épouses
Bien que Mystic River soit avant tout l’histoire de trois hommes, c’est également celle de leurs épouses. Comme nous l’avons déjà mentionné pour l’apparition de l’épouse de Sean en tant que figure féminine symbolique, nous allons ici nous intéresser aux deux autres.
Annabeth est l’épouse de Jimmy. Son mari, autrefois incarcéré, tient aujourd’hui une épicerie tout en entretenant des liens avec les voyous de la ville, dégageant ainsi une présence multiple. En tant que seconde épouse, Annabeth reste en retrait derrière lui, apparaissant d’abord comme un simple ornement. Cependant, dès l’instant où elle entend la confession meurtrière de son mari, elle révèle une cruauté surpassant celle de Jimmy.
Elle le renverse sur le lit, prend le dessus, et, en exposant sa féminité jusqu’à la sensualité, le pousse sur la voie du mal — une image qui évoque la Lady Macbeth classique. Beaucoup imagineront sans doute que le prénom Annabeth rappelle phonétiquement celui de Macbeth de Shakespeare.
Lauren incarne le symbole féminin, Annabeth se fait l’incarnation du mal : toutes deux pourraient exister au-delà de cette histoire. Celeste, l’épouse de Dave, ne possède pas cette force, pourtant c’est elle qui montre l’amplitude émotionnelle la plus grande. Bien que le récit soit centré sur la colère d’un père dont la fille a été assassinée, c’est l’action de Celeste — doutant de son mari et sollicitant l’aide de Jimmy — qui provoque la plus grande bascule dans le déroulement de l’intrigue.
Ainsi, Celeste porte sur elle toutes les émotions négatives — tristesse et méfiance — en raison de la fragilité de ses convictions. Contrairement à Lauren ou Annabeth, elle semble si faible qu’elle pourrait être engloutie par son entourage. Cette tragédie repose en grande partie sur la délicatesse du jeu de Marcia Gay Harden, mais encore davantage sur l’espace qu’occupe Celeste, reflétant son destin.
Des escaliers plongés dans l’ombre aux longues ombres projetées sur les murs, la mise en scène illustre son obscurité intérieure, s’inscrivant dans la lignée du suspense hérité du cinéma expressionniste allemand et français jusqu’à Hitchcock. Dans la scène finale du défilé, courant à travers la foule en appelant désespérément le nom de son enfant qui l’ignore, elle évoque, à la manière de Baptiste dans Les Enfants du Paradis, l’anonymat perdu dans la masse, et, à la façon de Ricci dans Le Voleur de bicyclette, la vie abandonnée par la société.
Celeste est présentée comme celle qui porte à elle seule l’expressionnisme et le romantisme que le film a construits, et elle disparaît de l’écran comme pour échapper à l’histoire. Ce destin solitaire et contraint est ce qui rend sa tragédie véritablement digne de ce nom.
L’amour sur Terre, le défilé du serment du mal
Contrairement à Celeste qui erre dans l’ombre sombre, Lauren et Annabeth apparaissent dans une lumière douce et chaleureuse. Sean enlace l’épaule de sa femme, et un jeune enfant se tient à leurs côtés. Sean, qui fut un dieu juge, est descendu sur Terre pour devenir humain et trouver le bonheur.
De l’autre côté de la rue, Jimmy descend les marches vers le clan du mal et Annabeth. Son geste de rabattre ses lunettes noires pour cacher son regard ressemble à une préparation à plonger dans le monde du mal. Les mouvements exagérés de ses mains, faisant résonner les applaudissements autour de lui, constituent un véritable serment de détermination.
Sean, croisant le regard de Jimmy, forme un pistolet de ses doigts et fait semblant de tirer. Kevin Bacon avoue avoir hésité à comprendre l’intention de ce geste et avoir demandé au réalisateur. À cette question, Eastwood répondit : « C’est au public de décider. »
Deux fins ambiguës
Dans le roman, l’intention du geste en forme de pistolet montré par Sean n’est pas clairement précisée. Lors de la conférence mentionnée ci-dessus, Lehane a été interrogé sur cette scène et a répondu ainsi :
Lehane said he learned the two most important aspects of writing when he was 16 years old. The first, he said, is that a writer never explains elements of a book that are not expressly written.In keeping with this principle, Lehane bristled when one audience member asked about an ambiguous gesture that Bacon makes towards Penn in the last scene of the movie.“There are a few things in this world that I will never explain, and this is one of those,” Lehane said. “It’s there to make you think, not for me to say, ‘Well, actually, it means this.※
Lehane a déclaré qu’il avait appris les deux aspects les plus importants de l’écriture à l’âge de 16 ans. Le premier, selon lui, est qu’un écrivain ne doit jamais expliquer les éléments d’un livre qui ne sont pas explicitement écrits. Fidèle à ce principe, Lehane s’est offusqué lorsqu’un membre du public a posé une question sur un geste ambigu que Bacon fait envers Penn dans la dernière scène du film.
« Il y a certaines choses dans ce monde que je n’expliquerai jamais, et c’en est une », a déclaré Lehane. « C’est là pour vous faire réfléchir, pas pour que je dise : ‘Eh bien, en fait, cela signifie ceci.’ »
De plus, dans le roman, Sean suppose que Jimmy est le meurtrier de Dave et promet à Celeste lors de la parade qu’il l’arrêtera. Cependant, cette scène n’existe pas dans le film.
L’expression de Sean lorsqu’il s’incline légèrement devant Celeste à la parade laisse deviner la satisfaction d’un homme qui, plus que son travail, souhaite protéger le bonheur qu’il a acquis.
Le montage de cette scène reliant Sean et Celeste n’est pas fluide : on ressent une certaine force dans la continuité, comme si la transition avait été un peu imposée. Il est possible qu’une scène où les deux conversent ait été tournée mais supprimée. On ne sait pas si cette décision a été prise par Joel Cox, l’autre collaborateur de confiance du réalisateur Clint Eastwood.
Quoi qu’il en soit, Eastwood a choisi, contrairement au roman, une autre scène finale ambiguë. Certes, le geste en forme de pistolet peut aussi être interprété comme une manifestation de sa volonté d’arrêter Jimmy. Cependant, la fin du film, accentuée par la maladresse qui la précède, demeure encore plus ambiguë que celle du roman.
Cependant, il n’y a qu’une seule chose certaine : la question de la rencontre des regards se joue dans les scènes consécutives.
Céleste repère Annabeth de l’autre côté de la rue, mais Annabeth ne remarque pas Céleste. Ensuite, Sean et Jimmy échangent un regard. Les deux scènes sont filmées selon la même composition, mais dans l’une, la conversation par le regard n’a pas lieu, tandis que dans l’autre, l’échange visuel se transforme en geste du pistolet et en réaction qui lui répond. On pourrait même dire qu’Annabeth semble volontairement ignorer Céleste.
Ce contraste dans la croisée des regards amène inconsciemment le spectateur à percevoir la méfiance féminine et l’opposition masculine, créant un espace de doute qui accentue l’ambiguïté.
Ensuite, le nom gravé par les trois garçons sur l’asphalte apparaît à l’écran. Le léger mouvement de caméra qui s’approche, comme pour répéter l’origine de la scène des regards, entraîne le spectateur vers ce jour passé. L’image se poursuit ensuite jusqu’aux ondulations de la Mystic River, descendant lentement vers le fond, et l’histoire s’achève. Il est facile de superposer la présence de Dave dans cette obscurité.
Le mouvement répété de la caméra, qui relie le présent au passé puis de nouveau au présent, constitue une mise en scène finale propre au cinéma, absente du roman original.
Dans le roman original, long et détaillé, la psychologie et le passé des personnages étaient décrits en profondeur. Le scénariste Brian Helgeland a resserré le récit en limitant le nombre de personnages, clarifiant ainsi le point central de l’histoire. Il a condensé l’intrigue en plaçant les éléments clés — le hockey au début, la répétition des conversations de Dave et Jimmy sur ce qu’ils ont perdu de précieux, les déductions de Sean et les échanges de regards dans la scène finale — au cœur de l’histoire.
L’œuvre mise en scène par Clint Eastwood, utilisant l’expression visuelle pour traduire ces choix, peut être considérée comme le film Mystic River.
Choix d’un futur incertain
Hollywood laisse souvent planer une certaine ambiguïté tout en suggérant la suite de l’histoire, afin de stimuler l’attente du public pour un prochain opus. Cependant, aucune suite n’a jamais été envisagée pour Mystic River. Ce choix d’un futur non défini semble vouloir se refléter dans le parcours même d’Eastwood.
Il a commencé par des séries télévisées de western avant de pénétrer le monde du cinéma, devenant une star mondiale. En incarnant Dirty Harry, qui renverse l’image classique du policier, il a forgé une nouvelle figure de star. Eastwood se souvient : « Si j’avais simplement enchaîné les suites, j’aurais pu gravir les échelons du star-system sans encombre. »
Pourtant, il n’a pas choisi cette voie et a commencé à produire et réaliser ses propres films. Son refus de suivre un chemin tout tracé a fait de lui non pas une simple célébrité, mais un véritable artiste. La raison pour laquelle il apparaît comme une présence singulière dans le cinéma hollywoodien tient précisément à cette posture.
Commentaire audio pour mieux comprendre le film
Actuellement, il est extrêmement difficile de regarder Mystic River dans les cinémas au Japon. Par conséquent, on en vient presque nécessairement à le visionner en DVD, mais cette version permet également de profiter des secrets de fabrication du film. Bien sûr, le film est disponible en streaming, mais malheureusement, le commentaire audio n’y est pas accessible.
Ainsi, pour connaître le film de manière plus approfondie et active, le DVD reste encore supérieur.
Clint Eastwood a réalisé de nombreux films centrés sur les personnes âgées et les jeunes, tels que Mystic River, Million Dollar Baby, Changeling, Gran Torino ou Cry Macho, et les commentaires audio de Mystic River permettent de comprendre les raisons de ce choix récurrent. Eastwood déclare que, si la peine capitale devait être appliquée, elle devrait s’abattre sur ceux qui ont privé des enfants d’avenir de leur liberté.
Ces paroles portent une tension éthique, tout en reflétant la fidélité à la réalité qui traverse l’œuvre du cinéaste. À l’origine de sa création se trouve une volonté sincère et implacable face aux événements.
Non seulement pour le spectateur lambda, mais aussi pour ceux qui souhaitent analyser le film comme une œuvre d’art, le commentaire audio présent sur le DVD offre un riche savoir : il ne s’agit pas seulement de suivre l’intrigue, mais de comprendre les intentions de la production et les pensées du réalisateur. Il résonnera assurément profondément dans l’esprit.
※The Harvard Crimson, 23 juillet 2004
Rédigé à l’origine en japonais et traduit à l’aide de l’IA Gemini.
